Limpieza de cartuchos

Los que ya me conocen saben que soy un fanático de las estilográficas. He aprovechado las pasadas vacaciones de Navidad para ir limpiando y poniendo a punto mi colección. No las he contado, pero deben de ser más de 50 unidades, con algunos modelos repetidos. Desde las muy básicas Pilot Preppy a mis dos Namiki Falcon. En su día hice un vídeo sobre cómo (re)cargar un cartucho pero no hablé de la limpieza del mismo.

Un pequeño tutorial básico de limpieza de plumas lo tenéis aquí:

El hecho de tener algunas plumas literalmente abandonadas con tinta me ha hecho tener que buscar métodos para la limpieza a fondo. Eso ha implicado desmontar, sumergir y limpiar manualmente además de ayudarme con un pequeño baño de ultrasonidos. De hecho, una de ellas que es una vieja pluma china de los años 60 o 70 sin marca me ha hecho investigar a fondo. Le tengo mucho cariño a las líneas de ese plumín de acero. Tiene un aparente defecto que deja líneas ligeramente engrosadas en algunos trazos que me resultan estéticas. Yo mismo la puse en uso (se vendía como NOS y su saquito estaba completamente deshecho) y la cargaba usando el saquito como vejiga. Tras años sin limpiar a fondo, los restos de Platinum Carbon Black la habían atascado por completo. 

He probado una solución profesional, con un limpiador comercial de Herbin que no ha dado mal resultado, pero si quieres limpiar muchas plumas es una solución cara. He buscado tutoriales en la red y hablan de una mezcla de 9 partes de agua destilada, 1 parte de amoníaco y unas gotas de jabón lavavajillas. Sin embargo no puedo usar amoníaco en casa, tengo alérgicos a sus vapores. Así que lo he sustituído por un desengrasante de la marca El Milagrito a base de alcoholes que ha dado buen resultado.

Es más, he descubierto que limpiar los cartuchos viejos (guía en inglés sobre cartuchos aquí y aquí) con esa mezcla, ayudado de un cepillo cilíndrico fino (de los de limpiar pajitas de refresco de acero) los deja razonablemente bien para rellenarlos con la tinta que apetezca. Quizá haga un tutorial específico.

Materiales económicos

Sitios como Aliexpress o Temu ofrecen materiales de dibujo a precios bastante populares que permiten ir practicando sin invertir en herramientas más caras. A mí me sucede que tengo alguna herramienta especialmente de capricho a la que me da miedo poner en uso ya que mi perfeccionismo me echa para atrás sobre el resultado. 

Otras, en cambio, que son económicas como los rotuladores pincel del fabricante chino Sipa (SB56, 57 y 58) dan resultados decentitos en papel barato. Obviad el monigote de línea fina, que lo hice con una estilográfica Platinum Carbon Black.

Elementos del chiste (2)

En ésta segunda entrega analizaremos los siguientes elementos del chiste según Mort Gerberg.

Setting (decorado)

La acción de un chiste sucede en un lugar. Ese es el decorado. El dibujante elige el lugar en el que la idea tiene lugar de un modo más natural, o más divertido. No es necesario exagerar el virtuosismo a la hora de realizar el decorado —en los chistes menos suele ser siempre más—, a veces bastan unas pocas líneas bien situadas para localizar perfectamente la acción.

Chiste de Quino

Como contraejemplo está Jules Feiffer. Admite que no sabe dibujar diversos elementos como coches, edificios, árboles... y no pretende hacerlo. Según él, ningún decorado va a hacer un chiste mejor o peor, así que prescinde de los mismos.

Chiste de Jules Feiffer

El decorado incluye la vestimenta y accesorios de los personajes. A menudo ayuda a reconocer un cliché —el pirata patapalo, el náufrago con barbazas...—, son estereotipos, pero ayudan a reconocer a los personajes y/o su personalidad.

Composition (composición)

En éste apartado se trata de situar a los personajes para una comunicación instantánea. La composición sitúa a los personajes en el orden correcto y los mantiene juntos, los liga. Como dice Gerberg, en un chiste hablado vas situando a los personajes, el diálogo... en una viñeta la composición es el medio de contar el chiste con mando a distancia, sin estar frente a la audiencia.

Chiste de Miki y Duarte

En el ejemplo anterior, leemos de izquierda a derecha... vemos el arca, los animales (decorado), Noé (secundario), el toro (protagonista) y el diálogo. ¿Creéis que funcionaría igual en orden inverso?

El mismo chiste, pero al revés

Es como empezar un chiste por el final. Diálogo, protagonista, reacción del secundario, decorado. No funciona.

Atmosphere (atmósfera), Calligraphy (caligrafía o tipografía), Texture (textura)

Éstos son los aspectos más puramente estéticos del chiste. Lo que define el estilo del dibujante. Cómo resuelve técnicamente el chiste que ha de contar, cómo se crea el ambiente del mismo.

Seleccionar unos materiales u otros, el modo de emplearlos, la caligrafía, etc. El ejemplo de Mingote es curioso: combinación de tinta, acuarela, lápiz de color... pero todo ello habla del tipo de viñeta que el fallecido maestro sabía hacer.

Selectivity (selectividad)

A mi parecer, una de las partes más difíciles del chiste gráfico. Selectividad en el sentido de elegir qué incluír y qué descartar a la hora de presentar el chiste. Es la tentación de recargar el chiste para mostrar la maestría en el dibujo, la composición, el dominio de la técnica. Recordemos que todo está al servicio de lo mismo: el humor.

Ver la primera parte.

Elementos del chiste (1)

En su guía sobre dibujo de humor Cartooning: the art and the business, Mort Gerberg sugiere los siguientes elementos del chiste gráfico: cast, dialogue, gesture, setting, composition, atmosphere, calligraphy, texture, selectivity. Yo los traduciría por reparto o elenco, diálogo, gestos, decorado, fondo o localización, composición, ambiente, caligrafía, textura y selectividad. Los cinco primeros se refieren al chiste como una representación de una obra, los tres siguientes se refieren al aspecto técnico/estético del dibujo y el último al sentido común.

Todos esos aspectos han de ir centrados a conseguir la máxima eficacia en el chiste, entendida como el modo de comunicarlo de la manera más clara, rápida y divertida posible.

Cast (reparto o elenco)

Hay que pensar en los personajes del chiste como actores. Están representando un papel. Están actuando y el dibujante es el director de casting. Podemos tirar de los cuadernos de bocetos, tomar apuntes del natural o simplemente desarrollar un método. No sé cuál es el caso de Nick Galifianakis, pero apenas repite unos pocos personajes (autorretrato incluído).

Nick ilustra con un chiste una columna periodística sobre relaciones

Su grado de individualidad es bastante alto en los personajes y su caracterización (una gran ciudad estadounidense... ¿Nueva York?) y sólo le veo emplear personajes tipo icono¹ en bebés. Incluso se observa un alto grado de estudio en el lenguaje corporal de sus monigotes; volveremos sobre ello en los apartados siguientes.

Dialogue (diálogo)

Aquí no sólo hemos de reflejar la chispa, el gag, lo que complementa al dibujo y hace de la combinación un chispazo único. El encaje es tanto más preciso cuanto menor sea el espacio disponible. En un chiste de una sola viñeta, la frase ha de ir preparando el gag para desatarlo al final y no antes de tiempo.

El trabajo consiste no sólo en pulir las palabras (¿por qué emplear diez vocablos si con cinco se pude conseguir el mismo efecto más rápido?) sino el lenguaje corporal de los personajes. De nuevo es el aspecto de dirección en el cual nuestros actores de tinta y papel entretienen al público lector. Michel Regnier "Greg" destaca por los surrealistas y delirantes diálogos de su personaje Aquiles Talón donde reside gran parte del humor de sus historietas.

Página de Aquiles Talón: la continuación aquí.

Gesture (gestos)

Me encantan los monigotes que sobre la figura humana en movimiento propone Stan Fraydas:

Observe las características que define cada uno de los movimientos —específicamente la posición de la cabeza, torso, brazos, piernas, pies. Luego dibuje figuras adicionales de hombres, mujeres y niños en pie, andando, etc. en posiciones distintas de las ilustradas en éspas páginas. Ponga diverso énfasis  para reflejar la velocidad o el impacto de los movimientos.

— Professional Cartooning (1972)²

Unas propuestas en ese sentido de Louis Decrevel:

En google podéis encontrar muchos más ejemplos. Los monigotes muestran claramente qué están haciendo.
En próximas entregas abordaremos los aspectos qu enos quedan.

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¹ En la definición de Scott McCloud: poca individualidad en el rostro, mayor iconicidad.
² Basado en una obra anterior: Graphic Humour de 1961.

Nostalgia, música y creatividad

Ya he hablado de música aquí. Pero quiero retomarlo como un interesante recurso: al parecer existe un vínculo casi desproporcionado entre la música que escuchamos durante la adolescencia y nuestras emociones, y no disminuye con la edad. Aquí tenéis un artículo divulgativo al respecto (en inglés).

Y la verdad es que yo he tenido ocasión de experimentarlo: determinados temas de los ochenta es como si me "activaran". No importa si hace lustros que no los oigo, o que no recordara escucharlos en su día, me ponen de buen humor y cuando dibujo es como si mi cerebro fluyera mejor. ¿A vosotros os pasa lo mismo? (¡no digo ochenteros!)

Aprovecho el interludio para compartir un par de temas que en fecha reciente estoy re-descubriendo.

Yo no era muy fan de The Cure, había alguna compañera del cole (no fui a insti) que sí lo era, ¿o fue compañera de la facul? Dá igual: Friday I'm in love

Más de mi cuerda era un pop-rock más comercial: Mike + the Mechanics Silent Running

La mancha de negro

En inglés lo denominan spotting blacks y es el uso de la mancha tonal negra. Se emplea para diferenciar planos, figuras, zonas... para dirigir el ojo o llamar la atención en una viñeta. Es la diferencia tonal que permite añadir dinamismo a la viñeta y romper la monotonía del blanco. Es una técnica que está en desuso y que, pese a su aparente sencillez, requiere de un buen ojo y entrenamiento para sacarle el máximo provecho.

SinFest de Tatsuya Ishida, bromeando sobre el tema

Composición

Las composiciones más poderosas son aquellas en las que la idea principal se capta de un simple vistazo.

—A. Thornton Bishop¹

Antes de entrar en materia, quisiera resaltar que el uso de las manchas tonales en el humor gráfico no es el mismo que en la historieta (o al menos, no siempre²). Por ejemplo, a Jim Shooter le repele el concepto spotting blacks: para él, consiste en distribuir manchas negras aleatoriamente. El enlace os dirigirá a un más que interesante artículo sobre el entintado de historietas, reflexiones, secretos y algunos ejemplos. Pero no puedo estar más en desacuerdo con Shooter en nuestro caso. Shooter está hablando de la técnica de entintado y de cómo conseguir un acabado más o menos pictórico o realista del dibujo. Para mí, el uso de las manchas va, como todo lo que interviene en la viñeta, en conseguir una lectura nítida, exacta y rápida por parte del lector. Hay que contar toda una historia en una simple viñeta (o en una tira de 3 ó 4) y no buscar el realismo en la representación.

Cuando componemos, ensamblamos los diversos elementos de un diseño en una estructura que expresa la idea del modo más efectivo.

—A. Thornton Bishop¹

Es decir, de lo que vamos a hablar es del uso de las manchas tonales en la composición manejando conceptos como armonía o equilibrio.

Hank Ketcham

Negros sólidos y tramados simples permiten a Hank Ketcham  trabajar sus viñetas diarias y separar las figuras o los planos. El uso de una gama tonal relativamente simple permite que el trabajo de Ketcham sea reproducible a diferentes tamaños sin sacrificar la legibilidad. Veamos un ejemplo.

Las manchas de negro sirven para diferenciar los múltiples planos y personas del dibujo de la izquierda.

Tenemos en primer plano a la madre, Dennis y el sacerdote. No hay confusión entre las figuras que Ketcham separa con toques de negro en los adultos y una gran mancha en Dennis. El tramado de sus pantalones le "separa" físicamente de los ladrillos de segundo plano y de la espalda de su padre. Más toques de negro y un tramado lineal. Por último, un pequeño "halo" alrededor de la cara del muchacho permite distinguir su expresión frente a las figuras del fondo más simplificadas.

En el siguente ejemplo, las caras pueden resultar obscurecidas por el negro.

El negro dá ambiente y sitúa a las figuras adecuadamente, lejos del segundo plano y enmarcadas contra un horizonte blanco. Los perfiles siguen la vieja máxima de la animación: si con la silueta no está clara la acción, es que el dibujo no es correcto. Además, Ketcham juega con unos perfiles reconocibles de sus personajes que el lector distingue e identifica con las figuras.

Un ejemplo más radical es el siguiente:

Un perfil puro, que me recuerda a las sombras chinescas o a las ilustraciones de Arthur Rackham, pero con los tonos en negativo. Ketcham lo usa para situar la acción a una hora determinada del día. El material de Ketcham es muy rico en el uso de negros, os invito a descubrirlo.

Frente al ejemplo anterior de negros sólidos, veamos otro negro más matizado.

Franquín

Franquín no emplea el negro sólido, ni con fines pictóricos. Aquí el negro es una "seña de identidad" para las historietas. Juega con la mancha procurando que las figuras sean lo más oscuras posibles, pero distinguibles. De nuevo la legibilidad en detrimento del realismo.

Tutoriales

¿Sugerís más ejemplos?

La teoría está muy bien, vayamos con la práctica. Me parece muy interesante el método de Matt Madden.

Pruebas tonales de Matt Madden

Madden fotocopia su trabajo una vez entintadas las líneas a tamaño reducido. Ahí mediante tinta o incluso rotuladores, va probando combinaciones de manchas de negro hasta quedar satisfecho con el equilibrio tonal y entonces procede a aplicarlo en el original. El sistema es inverso al que describe Dave Gibbons³ que partiendo del guión hace una serie de miniaturas atento únicamente al balance de masas negro/blanco para luego desarrollar las viñetas partiendo de ese esquema.

Para acabar, un pequeño tutorial en inglés a cargo de Zander y Kevin Cannon.

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¹ Gene Byrnes (ed.) A complete guide to drawing, illustration, cartooning and painting. Simon and Shuster, NY, 1948.
² El Sin City de Frank Miller, Kane de Paul Grist o Hellboy de Mike Mignola, son tres ejemplos de historietas de dos tonos.
³ Best of Drawn! Vol. 2.

Liebster awards

Un regalo desde el otro lado del mundo, Luis del Pópolo me recomienda para los Liebster Awards. Recojo el guante:

1. ¿Por qué decidiste hacer un blog?

Éste concretamente lo empecé como un medio de ordenar y comentar una serie de enlaces que yo tenía sobre recursos gratuitos de dibujo. Me pareció un buen modo de compartirlos y recibir aportaciones.

2. ¿A quién admiras entre La Blogosfera (Mundo del Blog)?

He oído hablar de gente que se gana la vida con ésto. Más que admirarles, me dan envidia cochina.

3. ¿En qué país te gustaria vivir?

En un rancho de caballos en Montana. Un rancho mío.

4. ¿Por qué crees te he nominado a un Liebster?

¡Espero que sea porque te gusta mi bitácora y no por quitarte un marrón de encima!

5. Tu mayor éxito.

Publicar en Amaníaco. Eso a nivel humorístico-pintamonigotero. A otro nivel, tengo dos criaturas especializadas en desordenar en casa.

6. Tu mayor fracaso.

Que no dibujo lo que quisiera.

7. Blog favorito.

Huy, tengo varios. Los llamo "mis imprescindibles" extractados de más de 300:


• The Art Center
• Figure Drawing
• Pre Raphaelite Art
• Dots for Eyes
• Three fingers hold the pen
• Today's Inspiration
• Illustration Art
• Parka Blogs
• Temple of the 7 camels
• Gurney Journey
• Craig Thompson
• Muddy Colors
• Drawn in Black
• Daryl Cagle
• Gabby's Playhouse



8. ¿De qué te gusta escribir más en tu Blog?

Más análisis míos, pero eso lleva más tiempo de elaborar que un puñado de enlaces comentados.

9. ¿Viajar, cocinar ó cantar, escoge una y por qué?

Viajar porque puedes hacer más cosas a la vez como leer o dibujar durante el trayecto.

10. Un consejo, truco ó tip que trates sobre alguna temática en tu Blog ó sea de tu interés.

Docendo discimus: Enseñando es como se aprende.

11. Espero que sigas actualizando más tu Blog, ¿qué más traerás en el?

Ahora mismo estoy trabajando en dos entradas: sobre el uso de la mancha de negro y una actualización de un análisis de hace años sobre pinceles estilográficos.

Me quito la montera y le brindo el morlaco a Luis. Graziah... ¡Que haiga zuerte, maeztro!.

La teoría de las proporciones ideales en la caricatura

No os voy a incordiar con la base teórica del número áureo Phi o las Series de Fibonacci. Baste saber que son la base de la llamada proporción áurea, estudiada matemáticamente como norma de belleza, empleada numerosas veces en arquitectura y pintura y actualmente en cirugía plástica o en fotografía.

La moza tiene relación con el tema si observáis la espiral áurea y no el bikini.

Vaya truño que os he largado, para que se note que tengo estudios. A lo que íbamos. El amigo Alberto Durero (Albrecht Dürer para acreedores y gentes de mal vivir) gustaba de emplear tales proporciones, y un ejemplo famoso es su autorretrato.

Le falta ponerse coronita para obtener una representación clásica de Jesucristo.

Las proporciones ideales del rostro son un tratado de matemáticas en sí mismas. Pero conste que el tío se lo curraba:

Estudio de Durero sobre las proporciones del rostro humano.

Con esa idea en mente, podemos ver la propuesta de Brenda Hoddinott. No es exactamente lo que comentaba, es una aproximación. Pero no creáis que es una idea sólo mía. Akleman et al., investigadores aggies afirman:

The success of caricaturists come from their ability to conciously identify any deviation from a normal face

La idea es hacerse una rejilla, una plantilla de las proporciones de un rostro normal. Superponer dicha rejilla sobre el rostro del sujeto y exagerar aquellos rasgos(empequeñeciendo o agrandando en función de su ajuste sobre la rejilla).
No quisiera acabar ésta entrada sin el estudio que James Gurney hace del retrato de Coventry Patmore pintado por John S. Sargent a finales del XIX.

No me digáis que Sargent no le ha clavao.

Obviamente, en el caso de una caricatura más metafórica, todo lo anterior no sirve.

Europa 1914 por benstilIerfaggot69

Mucha teoría y mucha mandanga...

pero poco mancharse los dedos hace meses, así que un ratito de estudio sobre tonos y valores con el recién recibido Creative Illustration de Andrew Loomis (Titan Books, 2012). Y luego, a darlo todo con el Pentel.

Kifudetai

Nota a lectores desprevenidos: lo siguiente puede considerarse una paja mental y no es imprescindible su lectura para disfrutar de la bitácora.

Muchos maestros de artes marciales japonesas hablan del concepto de kikentai no ichi. Ki (espíritu, energía, mente), ken (espada o en general arma), tai (cuerpo, desplazamiento, movimiento) e ichi (uno), es decir: "el espíritu, el arma y el cuerpo como uno". Creo reconocer parte de ese concepto en el título que el dibujante Scott Caple escoge para su bitácora: "Three fingers hold the pen... but the whole body labours" (Tres dedos sostienen la pluma... pero todo el cuerpo trabaja). Éste enfoque filosófico (quien dijo que hacer monigotes está reñido con manifestaciones culturales más... elitistas, se vaya a freír espárragos) se destila en parte en uno de los consejos que puse de Bill Waterson hace un tiempo y que es bueno recordar ahora: Los materiales no son importantes [...] Es lo que tú haces CON los materiales lo que importa. Idéntica opinión defiende Bob Mankoff: es la idea y no la tinta lo que hace un buen chiste. Yo soy el primer mitómano que quiere tener la estilográfica de Sergio Aragonés, aunque lo que realmente deseo es tener su habilidad. Es la combinación de mente-herramienta-cuerpo lo que permite desarrollar un buen chiste (gráfico). Al dibujar nuestro humor, lo que hacemos es ir puliendo la relación entre las tres partes de ese triángulo creativo ¿o no?

Sacapuntas manuales "de mesa"

El resultado de un sacapuntas de Lidl, un Swordfish Professional 3-Point Option y un Carl Bungu Ryodo BR-05, los dos últimos regulados a afilado máximo.

Swordfish Professional 3-Point Option

Éste es un sacapuntas algo voluminoso, construido en metal con una bandeja de plástico transparente de gran capacidad. Como su nombre indica, se trata de un instrumento profesional, destinado a un uso intensivo. En la parte posterior dispone de una rueda de graduación de punta que permite elegir el tipo de afilado (de más romo a más puntiagudo). Los resultados son buenos, aunque he de apuntar un par de inconvenientes. El primero es que el cabezal que sujeta el lápiz bascula ligeramente: es mejor abrir las mandíbulas, introducir el lápiz y luego extraer el cabezal para iniciar el afilado. Si el cabezal avanza sin el lápiz tiene un cierto juego que puede desalinear las mandíbulas con la cuchilla. Nada que no resuelva un poco de movimiento con el lápiz. El segundo inconveniente es que las mandíbulas de sujección son de metal y con un muelle bastante fuerte, dando como resultado pequeñas mellas en la madera de los lápices (observad la fotografía superior).

Carl Bungu Ryodo Br-05

Compré el Ryodo hace ya un par de años, pero el vendedor que me lo vendió parece haber agotado su inventario. Una lástima, ya que su eficacia me tiene encantado. No tiene un aspecto tan robusto como el Swordfish, sino que es más ligero y estilizado. La bandeja de viruta es pequeña, aunque he de decir que nunca dejo que se llene. En vez de rueda de graduación, dispone de un botón con únicamente dos posiciones, seleccionables con un giro de un cuarto de vuelta, dando como resultado unos lápices muy afilados, o un poquito menos. Las mandíbulas de agarre de lápiz van acolchadas, con lo que no deja mella, y no se desalinea al retirar las mandíbulas. El único fallo que le encuentro es que el mecanismo de afilado encaja muy bien con la carcasa principal, de modo que no he podido sacarlo para limpiarlo adecuadamente. Por lo demás, es mi Ferrari de los sacapuntas.

PS Si queréis ver un sacapuntas que ni es manual ni puramente eléctrico, aquí.

El agarre

La espada es como un pajarillo: si la asís demasiado fuerte, la estranguláis; si demasiado floja, escapa volando.

Quien a éstas alturas aún no haya visto Scaramouche (1952) ya está tardando en buscarse una copia. La cita anterior es un destilado estupendo sobre la esgrima que el maestro enseña a André Moureau (Stewart Granger) como primera lección. Suelo recordar esa frase cada vez que agarro un bokken.

En el dibujo sucede algo similar. Un agarre demasiado firme del instrumento conduce a un doloroso agarrotamiento de los músculos y a que las líneas transmitan una tensión que no siempre es buena. Hace mucho tiempo, recuerdo asir el lápiz o el rotulador muy cerca de la punta, con los dedos muy firmes, como al escribir. Ello produce líneas muy definidas y precisas pero excesivamente cortas. No me resulta posible trazar así más que una línea de 2 ó 3 centímetros de longitud. En ese sentido, el uso de un Pentel me ha ayudado a soltar el agarre y conseguir líneas más amplias y fluídas. Probadlo.

Pasando a limpio

La mesa de luz es una herramienta que en origen se desarrolló para la animación (tradicional). Se trata de una superficie traslúcida o transparente a la que se retroilumina con el fin de poder calcar el dibujo que se ponga sobre ella en una nueva superficie (que normalmente es opaca).

En el humor gráfico, la mesa de luz o caja de luces, se emplea con el fin de poder entintar directamente al calcar el dibujo previo a lápiz. Ésto tiene múltiples ventajas, a saber:

1. Permite un entintado limpio al no tener rayas de lápiz.

2. Así mismo, permite que la tinta agarre bien sobre el papel, ya que las líneas de carbón del lápiz a veces impiden que la tinta imprima el papel.

3. Evita el borrado del lápiz, con el consiguiente ahorro en tiempo y reduce la posibilidad de estropear el papel, así como degenerar el negro de la tinta.

4. Permite que el lápiz previo se ejecute en un papel de calidad inferior, pongamos simples folios de oficina, y la tinta final en buen (y caro) papel caballo.

Las desventajas son que:

1. Las mesas disponibles comercialmente suponen una inversión de 300 euritos para arriba. Para empezar, se puede construir artesanalmente una por menos dinero.

2. El espacio: se trata de un trasto más que rondará por vuestro lugar de trabajo.

3. Puede producir fatiga ocular si se usa de manera continuada con luces de gran potencia.

¿Hay alternativas? Por supuesto.

1. Para no tener que borrar el lápiz, podemos emplear lápiz azul no reproducible cuyas líneas no se captan al digitalizar los dibujos.

2. Podemos emplear papel vegetal, tal y como hace Daryl Cagle: aboceta en papel normal y pasa a limpio en papel vegetal con lápices blandos, convirtiendo esas líneas a negras al digitalizar.

3. El método descrito por JMV en Sí, dibujo tebeos, ¿y qué?: abocetar en papel normal, digitalizar, imprimir en tonos azules en buen papel, entintar... (ahora que lo consulto, lo que dice es que él fotocopia la tinta y aplica el color sobre esa fotocopia en papel caballo).

4. Con quince o dieciséis años yo probé un método casero: lápiz en una cara del papel, tinta en la opuesta. A pelo y sin mesa de luces. Lo descarté por la fatiga de que todos los personajes me salían zurdos.

5. En algún sitio leí el método de otro dibujante: hacía sus bocetos en papel fino, de unos 60 gramos. Iba superponiendo cada boceto al anterior, refinando las líneas. Decía que al ser un papel opaco, le permitía prescindir de las líneas innecesarias, refinando en cada paso el dibujo hasta el arte final.

Carga de una estilográfica

Vamos con mi primer vídeo...

Las ideas surgen... a bordo

Las turbulencias no son excusa y la bandeja del asiento en la clase turista, tampoco. ¡Siempre preparado para una idea feliz! Un cuaderno de bocetos, un Pentel Kerry de 0.5, una Pentel tradio, una Tachikawa School-G y un pilot de imitación para rotular.

Recetas caseras

1. La tinta de la estilográfica se ha secado. Está cargada, pero no escribe. La mejor solución es limpiarla, pero si lo que quieres es dibujar ya, moja la punta en un poco de agua (yo tengo un vasito de plástico para ello). Como la tinta saldrá diluída, haz dos o tres líneas en un papel y verás que escribe sin problemas. Si no es así, ¡a limpiarla!
2. Hablando de vasitos de plástico. Para los críos Pelikan vende unos vasos antiderrame muy prácticos, con tapa y todo. Ideales para que no se vuelquen y te arruinen el curro.

3. Un truco algo bestia y para impacientes: acabas de limpiar y cargar la pluma. Hay que esperar a que, por capilaridad, la tinta fluya hacia el plumín. Cierra la pluma y agítala cogiéndola por el extremo opuesto al plumín. Agítala como si fuese un termómetro de mercurio dando dos o tres sacudidas. Limpia el plumín y el interior del capuchón y ponte a dibujar.
4. Alargalápices bueno, bonito y barato: una gota de adhesivo instantáneo en el final de lápiz y pégale el lápiz siguiente. Eso sí, sólo vale con lápices cilíndricos que salen sin punta de fábrica.
5. 2º alargalápices bueno, bonito y barato. Cuando el lápiz sea demasiado corto para sacarle punta, rompe la madera con cuidado y saca la mina. Úsala en un portaminas de 2mm.
   

Cómo componer páginas (con ejemplos): II

Ayer os presentaba el análisis de una historieta de Raf. Comparad con el mismo gag que os presento aquí, con otro personaje.

Doña Lío Portapartes de Raf.-

La estructura básica es similar (16 viñetas), pero la resolución es menos elegante. Veamos las diferencias con el ejemplo anterior.

• estructura igual de 6 tiras con 3 viñetas por tira. Sin embargo, cambia la elección de los planos, siendo más cortos que en el ejemplo anterior, concretamente en la última tira: la penúltima viñeta es un plano medio en vez de un primer plano, restando espacio al último plano general.
• una proporción breve de viñetas "abiertas" (sin bordes): 3 de un total de 16 (3/16).
• los bocadillos parecen constreñidos a la viñeta, con diálogos apretados debido a la tipografía mecánica. A partir de la viñeta 8 no hay más de dos bocadillos por viñeta.: desaparece el encadenamiento de ritmo.

Ahora a la página "le falta algo", ¿no creéis?.

Cómo componer páginas (con ejemplos): I

Cuando leí por primera vez ésta historieta, no me fijé. En aquel entonces me preocupaba más dibujar otros personajes de otro dibujante. Bueno, y leer historietas. He recuperado esa historieta —en breve os diré dónde encontrarla— y mi manera de "leerla" ha cambiado. Tanto que me llaman la atención una serie de cosas.

Al final del artículo os digo autor, personaje y tebeo

He eliminado todo menos los bordes de las viñetas y los bocadillos, para no distraerme. Se trata de una historieta de una sola página, 16 viñetas, autoconclusiva. ¿Qué me llama la atención?

• estructura básica de 6 tiras con 3 viñetas por tira. Ese armazón se rompe en la primera y última viñetas (dobles). La primera viñeta incluye el título (recuadrado) y la última permite un plano largo de personajes huyendo.
• bordes dibujados a mano alzada, no siempre usando ángulos y líneas rectas.
• una proporción muy alta de viñetas "abiertas" (sin bordes): 6 de un total de 16 (6/16).
• de esas 16 viñetas, otras 2 presentan un borde curioso: el borde enmarca parte del cuerpo de los personajes, que se escapan fuera del mismo y los bocadillos se sitúan fuera.
• los bordes tampoco parecen contener los bocadillos, que a menudo se superponen a los límites de la viñeta, llegando a invadir el gutter (8/16). En otros casos se funden con el borde de la viñeta (4/16).

Todo ello nos dá una página muy dinámica. El armazón básico se usa a modo de guía, respetando solo las tiras (no hay ninguna viñeta que invada dos tiras) y ni los personajes ni los diálogos se ven encorsetados por la estructura viñeta-tira-página. No hay monotonía, ni repetición: cada viñeta es diferente de la anterior. Pero no perdamos de vista a los bocadillos.

Orden de lectura que nos permite analizar el ritmo de los diálogos

Pero es que los diálogos se imbrincan con la composición dando un ritmo que va creciendo, sin pausa. Con la excepción de la primera viñeta, que contiene el título y un bocadillo por personaje, las primeras viñetas presentan un único bocadillo: ritmo tranquilo. A partir de la mitad de la historieta (viñeta 8) se empiezan a apelotonar los bocadillos: dos, tres, ¡hasta 4 bocadillos en una viñeta! Y se produce el cambio de ritmo: de 4 a 1 de golpe, sin transición: se presenta el gag y se merece una pausa. Y luego, la cascada y el ritmo picado: 3 bocadillos por viñeta hasta el final. Personalmente, me ha parecido soberbio.

Es hora de desvelar el misterio: El representante, historieta de Raf protagonizada por Dña. Tecla Bisturín (enfermera de postín) recopilada en la Colección Olé nº 17.

Doña Tecla en su salsa

Gutter: nombre que le dá Scott McCloud en la versión original de "Understanding comics" al espacio entre viñetas. En la edición española los traducen como calles, pero a mí no me gusta. Quizá canales sería más adecuado.

Hablemos del papel

Hasta ahora me he centrado en reflexionar sobre tal o cual tinta, ésto o aquel instrumento, cierta marca o mejor aquella otra. Bien. Hora es de hablar de los cimientos de todo dibujo. Y los cimientos son el papel.

Hay dos propiedades que nos interesan: la capacidad de absorción y la textura superficial. Los papeles más absorbentes —más baratos— hace que las líneas se "corran" o como yo digo "sangren". Unos pequeños hilillos de tinta que surgen de la línea principal y destrozan su "limpieza". El papel de oficina normal y corriente es bastante absorbente. En el otro extremo están los papeles satinados, que no absorben casi nada. Mantienen una línea perfectamente definida, pero a cambio no hay quien les seque las líneas. Como ejemplo, el anverso de los manteles de los restaurantes cuando van con acabado brillante y fotografías (están tan empapados de tinta, que no hay quien les ponga más).

La segunda característica es la superficie del papel. La textura fina, sin textura, lisa, es propia de los papeles prensados en caliente (en inglés: Hot Pressed o HP). Es lo más adecuado para la tinta china, que permite que la plumilla se deslice sobre el papel. Los papeles prensados en frío (en inglés: NO, NOT, o Cold Pressed) dan una superficie texturada que introduce interesantes contrastes en los dibujos a pastel, acuarela, grafito o lápices de colores.

Aquí tenéis un ejemplo del mismo dibujo en papeles prensados en caliente (hot) o en frío (cold)

Ahora, cada cual que escoja según su capacidad monetaria y su gusto personal.

Herramientas nuevas, ejercicios clásicos

Para cogerle el tranquillo a la Falcon personalizada, estoy copiando los ejercicios de valoración tonal que se proponen en los libros de Maginnis, Gupthill y todos los que tengo a mano. Viene bien tener una recopilación de tramados.

Las ilustraciones anteriores son de Maginnis (vía mangablog).

En inglés la técnica se denomina hatching o hachure en francés: consiste en trazar líneas paralelas para dar volumen. Ya cuando las líneas se cruzan, se denomina cross-hatching. En español se suele denominar tramado. El maestro Orcajo presenta algunos ejemplos de tramado, su uso y menciona a dibujantes que los emplean. Éste arte es algo que se va perdiendo para dar paso al arte digital en Occidente y al uso de tramas mecánicas y/o digitales en Japón. Yo soy un nostálgico que sigo enamorado de los trabajos de Franklin Booth, por ejemplo. Así que cada vez que tengo ocasión de estudira un tratado de dibujo a plumilla, pico como un pardillo. Por ejemplo Pen drawing: an illustrated treatise por Charles D. Maginnis. La primera edición es de 1890 y pico, así que los derechos de autor son libres en los Estados Unidos. Gracias a ello, aquí podéis consultar el libro. Yo me he comprado una tercera edición, ya que los dibujos a pluma se aprecian mejor una vez impresos.

Si bien ésta técnica se popularizó en las ilustraciones a plumilla, puede realizarse también con estilográfica o rotuladores. Incluso con pincel o lápices, si bien éstos medios presentan algunos inconvenientes. El pincel al ser muy flexible, no permite hacer líneas muy definidas más que cuando ya se dispone de maestría con el mismo —como siempre pasa con el pincel. Los lápices tienen el inconveniente de perder punta a medida que se usan, aunque puede suplirse empleando portaminas técnicos de mina calibrada.

Para probar, podéis imprimir el dibujo de Orcajo o bien una plantilla como ésta, que os sirva de referencia y práctica. Más ideas se pueden hallar aquí y aquí. No os preocupéis del texto los que no sepáis inglés (o usad el traductor de Google).

Por cierto, buscando el libro de Maginnis encontré una bitácora que, por desgracia, parece abandonada: la Señorita Muchapástez. Como dice en su antetítulo, me recuerda cuando yo medía mis años por almanaques (de Bruguera).